Los chicos están bien. Lisa Cholodenko

Ficha técnica:

Título original: The kids are all right.
Año: 2010
Duración aproximada: 106 minutos.
Dirección: Lisa Cholodenko.
Guión: Lisa Cholodenko y Stuart Blumberg.
Casting: Laura Rosenthal.
Música: Carter Burwell, Liza Richardson.
Editor: Jeffrey M. Werner.
Vestuario: Mary Claire Hannan.
Director de fotografía: Ibor Jadne-Lillo.
Diseño de producción: Julie Berghoff.
Co-Productores: Bergen Swansen, Laura Rosenthal, Charles E. Bush JR., Todd Labarowsky.
Productores ejecutivos: Steven Saxton, Ron Stein, J.Todd Harris, Annie Dishea.
Producción: Gary Gilbert, Jeffrey Levy- Hinte.
Compañías: Gilbert Films. Mandalay Visión, Sain Aire Productions...

Lisa Cholodenko y Julianne Moore

Ficha artística:

Annette Bening
Julianne Moore
Mark Ruffalo.
Mia Wasikowska (Alicia de Tim Burton)
Sosia Mamei
Kunal Sharma
Yaya Da Costa.
Josh Hutcherson

Premios:

2010: Cuatro nominaciones a losOscars: mejor película mejor actriz, guión, mejor actor secundario
2010: Ganadora de dos Globos de Oro: mejor película, mejor actriz: Annette Bening.

Sinopsis:

Nic (Annette Benning) y Jules (Julianne Moore) tienen dos hijos, Joni ( Mia Wasikowska) y Laser (Josh Hutcherson), que fueron concebidos por inseminación artificial. Joni, una adolescente a punto de graduarse en Enseñanza Secundaria, muy desorientada como todos los adolescentes, y su hermano Laser, desean conocer al hombre que donó el semen a sus madres, ¿padre biológico?, interpretado por Mark Ruffalo. La intromisión del hombre en sus vidas provocará que afloren todas las contradicciones del matrimonio y el morbo, la egolatría y el egoísmo del atractivo cuarentón, que cree que ha llegado el momento de formar una familia.

Comenario:

Julia Kristeva ya advirtió hace mucho tiempo que la mujer sólo sería contemplada con rectitud cuando ella elaborara su propio discurso. Ha llegado el momento, y Lisa Cholodenko coge el timón, y con un dominio equiparable al del hombre del lenguaje audiovisual , construye una diégesis normalizada de un matrimonio constituido por dos mujeres, Ric y Jules, sin idealismo ni demagogia. La pareja, independientemente de su condición, heterosexual u homosexual, sufre rozaduras con el paso del tiempo, que dejan sus cicatrices.

En Vida y amores de una maligna Fay Weldon concluye que el sometimiento en una pareja de uno de los dos conyuges no dependen tanto de la condición sexual sino de quién ostente el poder, y lo tiene quien lo tiene. En el caso de Nic y Jules, la fuerte es Nic, médico en ejercicio, que ha relegado a Jules al ámbito privado del hogar, en una condición que reproduce los roles de la sociedad patriarcal. La aparición del hombre, provisto de pene, arriesgado, divertido, que ha dejado la Universidad para dedicarse a la industria hostelera, se produce en este momento crítico en el que la cotidianeidad y la rutina amenazan con romper a la pareja.

Mark Ruffalo representa magistralmente el papel de semental, hombre oliendo a sudor y a esfuerzo, triunfante entre las mújeres jóvenes, y amante ocasional de una belleza de color. Pero la posibilidad de establecer una relación con una mujer lesbiana, 'desviadas' las llama, supone una experiencia excitante para él. Pero también para el resto de la familia, excepto para la que ostentaba el poder dentro de ella: Nic. Jules, la débil, la víctima, la que sacrifica sus aspiraciones en pro de la familia, se convierte en el bocado más apetitoso.

Sutilmente introduce a un joven conflictivo, amigo de Laser, que vive con su padre, (al menos madre no se ve), y que tiene un carácter sumamente violento. Happy end más resignación, podríamos concluir, pero esto es lo que ocurre en miles y miles de hogares, en los que el amor ha dejado paso al cariño y el afecto, que atan tanto como la pasión.

Film interesante, que puede que aún roce alguna sensibilidad. La sociedad avanza, aunque sea imperceptiblemente, y ésta es una muestra de cómo se puede contemplar un matrimonio homosexual sin complejos ni idealismos.

De http://www.cinemusicarosalabrandero.blogspot.com

Kamil Szlachta. Schlafshön.

Kamil Szlachta, joven polifacético, Profesor de Cinematografía de la Universidad de Innsbruck, músico y cineasta, ha realizado un corto que denuncia el maltrato de género y que incluimos para difundir el conocimiento de las distintas sensibilidades de nuestra 'joven Europa', que intenta abrirse camino en una sociedad envejecida.

Las mujeres y la Caza de Brujas.

En tiempo de brujas. Dominic Sena.

Sinopsis oficial de 'En tiempo de brujas'.

La historia tiene lugar en Europa del siglo XIV. El caballero Lavey transporta a una joven acusada de brujería a un monasterio. Allí los monjes indicará que el poder de la chica es la razón de que la peste negra asole y destruya el continente en esos momentos. Descreído de esta teoría, Lavey y un grupo de bravos guerreros partirán en un viaje donde intentarán demostrar que la chica es inocente. El viaje les llevará a un lugar místico donde las fuerzas de las oscuridad les esperan….




La Edad Media, época de oscurantismo, posteriormente reivindicada por el movimiento romántico, recelaba de los avances científicos y, de las mujeres que de una forma u otra se apartaban de las convenciones. Se acusó a unos y otras de brujería , aunque se consideraba a éstas más inclinadas al pecado, más receptivas a la influencia del Demonio. El concepto de brujería en la Edad Moderna tiene un fuerte carácter misógino.

Para narrar una historia como ésta hay que retrotraerse a la Edad Media, pues hoy no hay suficientes inquisidores para perseguir a los millones de mujeres que, diabólicamente, siguen caminos trillados porel hombre. Los aquelarres o reuniones de brujas se veían, desde la fantasía masculina, como lugares en los que triunfaba la promiscuidad sexual y las mujeres se unían a sus diablos particulares con el llamado 'osculum infame'.

Nuestro compañero medieval inicia un viaje en el que intenta demostrar la inocencia de la joven, a la que se acusa de provocar la peste bubónica, y en el que tendrá que medirse con las fuerzas de la oscuridad.

Ginger Snaps. El paso de la pubertad a la adolescencia.

Ahora que llega el 8 de marzo, Dia Internacional de la Mujer Trabajadora, no está de más echar un vistazo a cómo tratan otros países el tema de la pubertad y la adolescencia, cuando tenemos los centros educativos llenos de jóvenes. Del blog cinemusicarosalabrandero tomamos este post sobre un film canadiense que abordando el tema desde el realismo mágico, nos presenta los monstruos que atormentan a los que están dejando de ser niños.

Ginger Snap es un film de iniciación, de transición de la infancia a la pubertad, y de entrada en la adolescencia, cuya línea la marca la menstruación, en este caso tardía de una de las dos hermanas Ginger y Brigitte. Estas jóvenes tienen una relación enfermiza, fruto de una educación castrante, que las convierte en muy siniestras, tanto que asustan a sus profesores con fotos pseudo-snaps. Han prometido no separarse jamás, y en caso de verse obligadas por las circunstancias ofrecerse en un ritual a la muerte.

Ginger (Katherinne Isabelle) es la primera en tener la regla, lo que implica un necesario distanciamiento, al menos en las condiciones físicas y vitales de ambas, lo que favorecerá la liberación de todos los demonios, relacionados con el sexo y los muchachos, de ambas jóvenes; Ginger se convierte en un monstruo y contará con la colaboración de Brigitte (Emily Perkins). Llegados al ecuador el film se deriva hacia lo sobrenatural, los licántropos toman protagonismo, y cada vez que Ginger contacta sexualmente con un joven sin precauciones lo contagia. Uno de estos adolescentes que presume de saber botánica, y que en realidad cultiva 'maria' les da una solución para purificarse: colocarse un piercing de plata, material del que están hecha las balas con las que se puede matar a los hombres-lobo. Todas las fantasías juveniles trascendidas al universo de los adolescentes cobran vida.

La inconsciencia y atrevimiento propios de la edad impulsan a Brigitte, que ha descubierto una flor salvaje, capucha de monje o matalobos, de la que no conoce las propiedades ni las dosis adecuadas a sus propósitos , a inyectársela a Ginger, aunque en realidad acaba en el cuello de un joven infectado, el primero con el que tuvo relaciones su hermana mayor al convertirse en 'mujer'.

Mezcla el cine mágico, la licantropía y el slasher, subgénero de terror, en la que un/una psicópata asesina brutalmente a adolescentes fuera de la supervisión de los adultos; la mayoría de las veces las víctimas están envueltas en sexo prematuro o consumo de drogas. Aquí se une una madre débil mental, que se adorna las orejas con calabazas de Halloween y que no quiere perder a sus hijas, proponiendo el sacrificio de las tres mediante un escape de gas. El miedo a un embarazo prematuro que caracteriza a las sociedades patriarcales inculca en el imaginario de las jóvenes un terror irracional al sexo contrario, hasta el punto de considerar al propio padre como un enemigo. El resultado será el contrario al perseguido por la familia: la joven, superada la etapa de la infancia huirá para siempre de un hogar en el que se siente oprimida, deseando no volver jamás.

El éxito de este tipo de películas en la audiencia ha generado múltiples secuelas. La mezcla de géneros permite una profundización en los desequilibrios que se producen en la delicada transición de la pubertad ala adolescencia. El relato es entretenido y las jóvenes desempeñan un buen papel.

'Women Without Men', de Shirin Neshat

8 DE MARZO

Sinopsis oficial.

En 1953, el gobierno británico -con la ayuda del americano- decide intervenir en Irán para derrocar a Mohammed Mossadegh e instaurar la dictadura del Sha de Persia. En medio del caos que supone el golpe de Estado, cuatro mujeres se conocen y encuentran refugio en el jardín de una casa de campo. El sentimiento de amistad y solidaridad que nace entre ellas les ayudará a afrontar sus dramáticas vidas. Adaptación de la novela homónima de la escritora iraní Shahrnush Parsipur. Además de retratar el papel de la mujer, analiza la compleja realidad de la sociedad iraní de la época y subraya el valor simbólico del jardín en la tradición islámica.

Women without Men ha recibido una crítica desigual, que la valora cuando se ajusta al devenir de los acontecimientos, pero critica los deslizamientos hacia el realismo mágico y poético. Gerardo Alonso y Cassadó, tras mostrar su hastío por la sobresaturación de películas que denuncian el trato abusivo que sufren las mujeres en el islam ( nos cansamos pronto los occidentales y buscamos la evasión), y afirmar que el título mismo anuncia otra dosis de militancia ingenua, ve un valor donde otros ven el fallo del film: " (...) a medida que avanza el metraje el film se aleja de las sendas trilladas por una especie de poesía extática cercana a lo sobrenatural (...) al final, con el alzamiento militar, ya no habrá lugar para la magia y la esperanza tendrá que volver a vestir de negro".

De cinemusicarosalabrandero.

Propuestas didácticas.

¿Por qué crees que Gerardo Alonso Cassadó considera la denuncia de la situación de la mujer en el Islam propia de una militancia ingenua ?

The Pillow Book. Peter Greenaway.

The Pillow book (1996) es una alegoría de la escritura y su nexo con la relación carnal, narrada y protagonizada por Nagiko Kiyohara, en la que Peter Greenaway desvela la 'prostitución' del escritor por sus editores y el proceso iniciático de una joven que pasa de ser el soporte de la escritura de los hombres al pincel que les da forma. El título hace referencia a la costumbre japonesa de guardar en unas almohadas de madera o cerámica huecas los diarios íntimos.

El referente de Nagiko es una poetisa, Sei Shonagon, de la que aprende a escribir listas de las cosas que le disgustan y le gustan. Tiene especial preferencia por el color añil, que a medida que progresa el film se llenará de significado. Es una película difícil de ver, en la que se contraponen tradición (aprendizaje del chino mandarín, costumbres antiguas japonesas, indumentarias y peinados...) y la modernidad (aviones que sobrevuelan las ciudades). Esta dialéctica se dará también con la forma, pretendidamente vanguardista, en la que la alternancia de secuencias, combinada con imágenes del camasutra, se logra con la inscripción de unas en otras, que se desplazan en todas las direcciones del encuadre, como una metáfora de su propio cuerpo que describe como un poste indicador apuntando en todas las direcciones.

Su propio padre, calígrafo, que cada cumpleaños le dibuja en la cara una bendición tradicional, mantiene a la familia dejándose sodomizar y humillar por su editor; la niña que no puede comprender ésto se debate en el dilema de elegir a su compañero entre calígrafos indiferentes que sean buenos amantes o excelentes amantes pero pobres calígrafos. Casada de acuerdo con la costumbre nipona y tras fracasar un matrimonio en el que el hombre no siente inclinación por las letras y quema sus libros, huye a Occidente y conoce a un escritor inglés, Jerome (Ewan McGregor) políglota, que la inicia en el arte de la escritura, ofreciendo su propio cuerpo como papel.





Hasta ese momento, la mujer había preferido mantener relaciones con hombres mayores para evitar implicarse emocionalmente. El atractivo del escritor la atrapa y la somete a la pesadilla de los celos, que quebrantan su perfecta unión; la razón es que el joven repite la historia de su padre y se deja sodomizar por el editor, que es el mismo personaje, encarnado por el mismo actor, trasladado en el lugar y en el tiempo. La historia se repite.

Maneja su vida, escribe sus libros, es el pincel, pero pierde a su amante. Éste, como el Romeo de Shakespeare, se suicida y se cubre el sexo con el libro de Sei Shonagon, y le deja a Nagiko su epitafio: "Reúnete conmigo en todas las bibliotecas del mundo". La madre despectiva y a su vez despreciada por el hijo, lo describe como un disléxico sin imaginación. El editor, movido por una gran pasión, profana su tumba y escribe sobre su piel desollada un libro de cabecera, mientras se oye la voz en off de Nagiko mostrando sus sentimientos por el color añil, tanto del papel que le envuelve, como de la coloración del cadáver. Escatológico.





Desengañada escribe en los cuerpos de sus sucesivos amantes diferentes libros: el inocente, el idiota, el impotente, el exhibicionista, el amante, tras la muerte de Jerome...Es así como ve a los hombres. Triste y sin aliciente quema sus libros y vuelve a Japón, tras el segundo incendio de su vida, donde tiene una hija, no importa con quién,y donde sigue escribiendo otros libros con el afán de conseguir el escrito en el cuerpo de Jerome, que adoptan la forma de conclusión de sus experiencias: libro de la juventud, de los secretos, del silencio, de la traición, de los falsos comienzos y el deseado de la muerte del editor. Este fin se presagia con el auge de los movimientos ecologístas, cuya actividad se insinúa a lo largo de todo el film con discretas pinceladas, que denuncian la devastación de los bosques y la contaminación de las aguas por la industria del libro, en unos momentos en los que se apunta la posibilidad de prescindir del papel en la comunicación entre los hombres.

A sus veintiocho años Nagiko ha acumulado suficiente experiencia para escribir su diario íntimo, su lista de cosas que hacen que su corazón lata más deprisa, para legárselo a su hija e iniciarla en las artes de la escritura y del amor. El editor que había chantajeado,violado, humillado y profanado a su padre y a su amante, había culminado de forma inexorable su ciclo vital.

El cuerpo de Jerome (excusa para largas secuencias de Ewan MacGregor desnudo en primeros planos) será el vehículo para excitar e interesar a un editor que no siente placer con las mujeres. El cuerpo y la palabra forman un todo inseparable. La literatura y el amor, entendido como pasión carnal (Eros y Afrodita). Su madre pudo disfrutar de las delicias de la carne y de la literatura a un tiempo a cambio de su sumisión; Nagiko perteneció a una generación de mujeres que no aceptaban esta pasividad y esta elección le impuso un sacrificio.

Jerome encarna el cosmopolitismo del judío ( pene circuncidado), políglota y sin patria. La primera escritura sobre el cuerpo de la mujer será en yiddish, lengua de los judios ortodoxos de todo el mundo. Él encarna la modernidad, con su máquina de escribir; ella la tradición oriental , con su escritura en chino mandarín, que mantendrá después de su travesía hacia su propia liberación, ejerciendo todas las profesiones de una mujer occidental, incluída la de modelo de pasarela .

La ruptura con el modo de representación convencional, o institucional según la terminología de Nöel Burch, alcanza a los personajes. El hombre, y especialmente Ewan McGregor, será el dotado de sermiradaidad, el provocador de la pulsión escópica del espectador, para disfrute de sus fans.

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Edadismo y discriminación racial. Todos nos llamamos Alí.

En 1974 Rainer Werner Fassbinder realizó Todos nos llamamos Alí, en el que aborda la violencia estructural, ultural y dircta de que habla Johan Galtung. Un hombre y una mujer, no exentos de defectos, como todo ser humano, se enamoran, pero ambos pertenecen a un grupo sensible a la discriminación: el por su procedencia, emigrante de Marruecos, ella por su edad, a la que la sociedad ya no permite sentir emociones, sino servir y cuidar a familiares y amigos.

Alí, (El Hedi Ben Salem), gastarbaiter marroquí, al que se llama a sí por ser 'moro' y para resumir un nombre muy largo e impronunciable por los alemanes, es un hombre joven , soberbio, capacitado para realizar los trabajos más duros y dar satisfacción sexual a las germanas. Pero sólo Emmi (Brigitte Mira), hija de un alemán filonazi y viuda de un obrero polaco, sabrá llegar, con gran sensibilidad a su corazón. Creada la pareja, todos los monstruos humanos emergen: miedo al paro, miedo a la diferencia, miedo a descender en la escala social...La violencia estructural que impone unas reglas económicas que despilfarran el potencial económico y humano de muchos seres humanos, contamina con sus aparatos ideológicos de propaganda a una población empobrecida que será la que ponga en práctica la violencia psicológica sobre los que se han atrevido a actuar con libertad. El resultado será la creación de conflictos en el seno de la pareja, la infelicidad y el estrés, causa de la enfermedad y la extinción.


La historia está ambientada en una Alemania miserable, en localizaciones 'cutres' (incluso el restaurante italiano que frecuentaba Hitler), entre gentes que realizan los trabajos menos cualificados y que vive en hogares modestos; en el grupo hay mujeres de la limpieza (la protagonista se avergüenza de confesar a Alí a qué se dedica), prostitutas., pequeños tenderos...El marroquí tiene un trabajo más especializado, mecánico del automóvil, pero su sueldo apenas le da para compartir habitación con siete u ocho compatriotas. Los hijos, que han abandonado a su madre y han permitido que viva de un trabajo inapropiado para su edad, sesenta años, reaccionarán violentamente ante esta relación. Fassbinder siempre da una visión muy negativa de su país y de la discriminación de que son objeto sus gentes, ya sea por su orientación sexual, su clase social, el origen de su nacimiento, la edad, etc. En este film hace un cóctel explosivo.

Sabhia Sumar. El silencio del agua.

El silencio del agua es un film imprescindible de una mujer, Sabiha Sumar, que tuvo la excepcional oportunidad de estudiar en universidades de EE.UU. e Inglaterra, y, desde esta atalaya observar de forma objetiva la situación político-social de su país y hacer un llamamiento al mundo sobre la situación de impotencia y continuos agravios que padecen las mujeres de su país, Pakistan. No sólo se formó en cine, sino también en ciencias políticas, por lo que nos encontramos ante una cineasta que nos da una crónica de la evolución política de India/Pakistán y favorece el acercamiento humano a una zona del mundo que unos idealizan y otros desprecian, pero que pocos conocen.

Sitúa su historia en el momento en que el general Zia-ul-Haq toma el poder en Pakistán e impone la ley marcial, tras asesinar a Ali Butho (1977), padre de Benazir Butho, también asesinada en 2007, ambos del PPP de tendencia socialdemócrata. Flashbacks recurrentes, filmados en blanco y negro, que responden a recuerdos de la protagonista Veero/Ayesha van reconstruyendo un hecho dramatico: en 1947, cuando se creó el estado de Pakistán, con fronteras marcadas con sangre que dividieron las etnias artificialmente; los sijs mataron a sus hijas para evitar que las secuestraran los musulmanes. Algunas no aceptaron el sacrificio y vivieron toda su vida agazapadas entre la multitud y escondiendo sus orígenes.

Kirron Kher, Veero/Ayesha

Salim, hijo único de la viuda Veero/Ayesha, ve frustradas sus esperanzas de una formación superior por falta de recursos , al contrario que la chica de la que está enamorado que va a ir a la Universidad; sólo cuentan con la pensión de viudedad de la madre. Este rencor le va empujando hacia el 'lado oscuro' del resentimiento y lo convierte en presa fácil de los extremistas islámicos, que reclaman la sangre de los jóvenes yihadistas. Veero/Ayesha, mujer feliz que sabe enfrentarse a la vida y aceptar sus condiciones, ve de pronto como todo el edificio vital que le ha costado tanto construir empieza a desmoronarse, y el perder a su hijo, lo único que considera como suyo, le produce un profundo temor. La vuelta de los sijs, no musulmanes y por lo tanto infieles, le trae un nuevo desasosiego: su hermano vuelve a por ella porque el padre, que había intentado matarla, estaba muriendo y la quería ver. Su situación de infiltrada anónima se desvanece y pasa a ser mirada con recelo por la comunidad.

Aamir Malik, Salim

La encrucijada es terrible: por un lado su hijo, al que tanto quiere, es radical-islámico, y la revelación del secreto de su madre lo coloca en una posición de alto riesgo; por otra no debe nada a un padre que ha vivido toda su vida queriendo creer que estaba muerta...No sabe a quien rezar en estos momentos tan trágicos, ni si es Veero, una sij, o Ayesha, una musulmana. Sólo sabe que no quiere ser la causante de la tragedia de su hijo.

Las mujeres de 1947 fueron arrojadas a un pozo, y sus aguas guardaron silencio para siempre; en este país es peligroso expresar cuaquier opinión pues los guardianes de la religión están vigilantes. Incluso es peligroso reir o contar chistes, como hace el barbero; casarse por amor supone un atentado a la cultura islámica y el cine, el vídeo o la televisión son entretenimientos creados por el diablo occidental. Es evidente que Sabhia Sumar se desahogó en Occidente e hizo todo aquello que le estaba vedado en su país: estudiar precisamente cine y ciencias políticas, buscando la libertad de opinión, autorizada, y de expresión. Nadie debe dejar de ver este film.

El film es un drama con ciertos toques de humor e ironía, propios de la persona que conoce su medio y sabe donde debe acentuar la crítica y auqello que simplemente roza la comicidad, como sucede con todas las culturas. Tampoco se ha olvidado de las lapidaciones o de la participación de la mujer en la guerrilla. Otras cineastas como Mira Nair han abierto al mundo la ventana de la India.

Los actores, Kirron Kher, Aamir Malik o Arsad Mahmud, entre otros, representan sus papeles con una dignidad y verosimilitud digna de encomio.

William Wiler. La calumnia

Los que trabajamos en un centro educativo sabemos lo difícil que es abrirse camino en la educación en igualdad y los obstáculos e incomprensiones que sufrimos. La calumnia (1961) , de Wuilliam Wiler, gran director de actores, tiene como tema central la homosexualidad, la homofobia, la 'maldad', tanto de los viejos como de los niños, de una sociedad elitista, que teóricamente busca la mejor educación para sus hijos, y muchas veces tiene como resultado la maledicencia, el egoísmo e incluso la cleptomanía, que los convierte en vulnerables o insensibles ante la injusticia social.

Marta Dobie (Shirley MLaine) y Karen Wright (Audrey Hepburn ) son dos jóvenes amigas que fundan una pequeña escuela para niñas de la clase media alta, y sus estrictos procedimientos irritan a una de las malcriadas niñas, que, tras oir una conversación de adultos intuye algo y acusa a las mujeres de mantener una relación amorosa; esta niña consigue la complicidad de una de las compañeras de cuarto, cleptómana, a la que chantajea con denunciar sus pequeños hurtos, si no avala su versión de los hechos. Esparcida la calumnia va envenenando a todos, incluso al novio de Karen, que comienza a dudar de ella; nadie, ni la tía de Marta, responsable de los problemas de su sobrina, de la que constantemente se aprovecha, acude al juicio a defenderlas, por lo que su denuncia es rechazada.

En la travesía del desierto que las jóvenes inician, Marta descubre que lo que le ha amargado toda su vida es algo en lo que no se atrevía ni a pensar: verdaderamente estaba enamorada de Karen, pero en una sociedad patriarcal y represora estos sentimientos le hacen sentirse sucia y el descubrimiento terrible le conducirá a un camino sin salida. Aunque por un hallazgo casual queda al descubierto la mentira de las niñas, nadie puede reparar el daño causado; las palabras han cambiado ya su significado: hombre, mujer, matrimonio...

En un mundo como el nuestro en el que la formación en igualdad entre hombres y mujeres,gordos y flacos, negros o blancos...se sigue menospreciando por amplios sectores de la sociedad, sigue vigente la denuncia de William Wiler de un fundamentalismo cristiano en el que no sólo se peca obrando, sino con el pensamiento o la omisión de la denuncia. Si es grave para las mujeres la calumnia, para Marta lo es más el descubrimiento de su homosexualidad que la lleva al suicidio.

Filmada en blanco y negro, con bellísimos primeros planos de las protagonistas, resulta memorable la última secuencia, en la que Karen con la cabeza muy alta, pasa entre el colectivo miserable de 'jueces', tras enterrar a su amiga. Ella ha dado un gran paso adelante en la comprensión de las diferencias entre los hombres; los demás quedan cargados con una culpa de la que no podrán desprenderse.

La monstruosa niña que aprovecha las debilidades de todos, incluso de su compañera cleptómana, mal educada por su soberbia abuela, no inicia su maduración como persona con las pretensiones iniciales de su familia.

William Wiler pertenece a una generación de hombres que, además de realizar buenas y bellas películas ( Vacaciones en Roma, Horizontes de Grandeza, Ben-Hur...) pensaba que merecía la pena denunciar aquellas actitudes humanas que no sólo hacen infelices a las víctimas, sino también a los verdugos. Todos pierden.

No es la primera vez que se representa en el cine la maldad de los niños ( '¿Quien puede matar a un niños ?', de Narciso Ibañez Serrador, 'El pueblo de los malditos' , de Wolf Rilla, y recientemente 'La cinta blanca' de Haneke); The children's hour ('La calumnia') es la adaptación de una novela homónima de Lilian Hellmann.

Reflexiones pedagógicas:

Éste es un film que pone en evidencia el daño que se puede hacer a las personas diferentes por cualquier razón, y que incluso los más jóvenes pueden caer en esta trampa.

Robert Luketic. La cruda realidad.

Realidades hay muchas; una la que nos presenta Edgar Wright en Scott Pilgrim... geeker pero respetuosa con el sexo femenino; otra, casposa y cutre, que recrea los reality Shows de las televisiones (algo más elegante que el programa de la televisión de Berlusconi, Sávame), pero muy poco : la de Robert Luketic, La cruda realidad.

Un macho muy macho, Mike (Gerard Butler) intenta despertar el deseo sexual mediante expresiones escatológicas y provocadoras; lo peor es que consigue impresionar a una bella mujer, Abby (Ketherine Heigl), recatada e 'intelectual', a la que va 'taladrando' el cerebro hasta que le produce un cráter mayor que el del Vesubio. Constantemente le dice que los hombres son simples y sólo buscan en la mujer una cosa: el sexo. Acaba, paradójicamente, convirtiéndose en su asesor sexual, y hay más: finalmente también la enamora. En el fondo es bueno y un caballero escondido detrás de una máscara brutal (más que la de loos 300 de Esparta, que ya es decir), para no dejar ver la huella que le han dejado sus fracasos sentimentales.

Filmada de acuerdo a un modo de representación convencional, creo que es una película que no sólo no merece pagar el precio de su proyección en las salas de cine, sino ni siquiera comprar el DVD.

Un buen ejemplo de lo que decimos es el propio trailer:

Sin palabras.

Adolescentes formados en igualdad.

Edgar Wright ha hecho una película, Scott Pilgrim contra el mundo, indie, con música indie, basada en un cómic de culto del mismo nombre. Todo ello adobado con luchas del género wuxia, videojuegos... que definen a jóvenes que van desde los veinte años, como el protagonista , hasta pasada la treintena, y no falta cierta ironía crítica respecta este tipo de música.

Son jóvenes educados en la tolerancia, probablemente universitarios, aunque solo se les representa por sus hobbies: Scott comparte vivienda, habitación y cama con un gay, sin darle la menor importancia; no beben apenas, ni fuman; son libres sexualmente, y tienen muy clara la línea roja qie no deben cruzar: tener sexo con una menor, al contrario de lo que está ocurriendo con muchos sesudos adultos. La sala estaba llena de estos jóvenes que disfrutaban con las onomatopeyas, propias del cómic, los constantes y bruscos cambios de perspectiva de la cámara, el aceleramiento propio del cómic, los letreros señalando personajes o lugares, y, especialmente con la jerga propia de los juegos: lluvia constante de monedas, regalo de vidas, fases...

Algunos de estos jóvenes trabaja o está pluriempleado, de lo que se informa con fugaces pinceladas; Scott está desempleado y forma parte de una banda 'garaje rock'; se enamora de una joven, de estética punk, que cambia constantemente el color de su pelo y se llama Ramona Flowers.

El film está bien realizado, los efectos especiales acertados y el montaje brusco para alejarlo de la realidad y acercarlo al cómic; las palizas son tremendas, pero todos salen ilesos y sin una gota de sangre. Los espectadores maduros que quieran acercarse a las nuevas generaciones, educadas, formadas, y sin porvenir, tienen una oportunidad; puede que piensen que están desorientados, pero se agradece que no haya un solo gesto, una sola palabra, machista, homófoba o escatológica.

Son unos jóvenes que aún no han entrado en el mundo de los adultos, porque no han conseguido un trabajo remunerado con un sueldo suficiente ( generación NINJA, como les llama Gekko en Wall Street), aunque viven independientes de sus padres.